Durante casi medio siglo, el progreso ha sido el caldo de cultivo de las ideas más extravagantes, extravagantes y extravagantes del rock: álbumes conceptuales gruesos como un ladrillo, una adopción temprana de sintetizadores, compases demasiado complicados, fantasías tolkienescas, tribulaciones de días futuros y escenas de un recuerdo. Para celebrar la primera historia de portada de Rolling Stone de Rush, aquí está lo mejor del género deliciosamente decadente que los punks no lograron matar.
El 17 de junio de 2015 fue publicada la lista de los 50 mejores álbumes de rock progresivo según la revista Rolling Stone, escrita a propósito de la primera aparición de la banda canadiense Rush en la portada de una de sus ediciones. La lista no menciona sobre la base de qué criterios fueron elegidos los álbumes mencionados.
Como todos los listados no siempre se incorpora lo que a cada cual le agrada, siempre habrá inconformistas. Bueno, este es mi caso, donde creo que hay grupos que sobran, como los japoneses Ruins, que no me suenan en absoluto como progresivos o grupos que faltan. En este último caso voy a incorporar tres menciones honrosas que creo deberían haber estado. pass: manchon1961
00a Klaatu, 'Hope' (1977)
Hope es el segundo álbum de la banda de rock canadiense Klaatu y su primer álbum conceptual. Lanzado en septiembre de 1977, ganó un premio Juno al "Álbum con mejor ingeniería" y un premio de la crítica musical canadiense al "Mejor álbum" ese mismo año. El álbum sigue la historia de viajeros espaciales que visitan un planeta distante.
Un crítico de Head Heritage de Julian Cope describió a Hope como “una elaborada ópera progresiva de ciencia ficción, mientras que un artículo en el Edmonton Journal describió un “álbum caprichoso de rock espacial”. Mike DeGagne de Allmusic comentó que el álbum estaba "menos infundido con pop" que el álbum anterior del grupo 3:47 EST, y contenía más "profundidad progresiva" con un "sonido experimental". Peter Kurtz, del sitio web, sintió que el tema de la ópera rock conceptual del álbum sonaba "pretencioso y, en algunos casos, como una copia de Queen". Billboard describió las canciones como "fun light pop" similar a 10cc, hasta "melodramas teatrales" similares a Queen y baladas bien orquestadas similares a Moody Blues.
PopMatters describió la canción "Around the Universe in 80 Days" como una "poderosa balada pop" con una "magnífica melodía de piano" y un "buen ejemplo de artesanía pop-rock sin esfuerzo". Describió "Prelude" como "una epopeya de rock instrumental".
Al igual que el álbum anterior de Klaatu, la portada fue pintada por el artista gráfico Ted Jones.
La portada muestra "el rayo del guardián del faro". La plaza de piedra en ruinas presenta la imagen del sol de la portada del álbum anterior de Klaatu.
00b Focus, 'Moving Waves' (1971)
Focus II (más conocido por su título internacional, Moving Waves) es el segundo álbum de estudio de la banda neerlandesa de rock progresivo Focus, lanzado en octubre de 1971 por Imperial Records. Tras la partida del bajista original Martin Dresden y el baterista Hans Cleuver en 1970, la banda reclutó a Cyril Havermans y Pierre van der Linden, respectivamente, y preparó material para un nuevo álbum. Focus grabó Focus II en Londres en abril y mayo de 1971 con Mike Vernon como productor. El álbum presenta "Hocus Pocus", una canción de rock duro con los cantos tirolés, scat y silbidos del teclista Thijs van Leer, y "Eruption", una pista de 22 minutos inspirada en la ópera Euridice del compositor italiano Jacopo Peri.
Focus II fue lanzado con una respuesta mayoritariamente positiva y sigue siendo uno de sus álbumes de mayor éxito comercial, alcanzando el número 2 en el Reino Unido, el número 4 en los Países Bajos y el número 8 en los EE. UU. "Hocus Pocus" se lanzó como sencillo en los Países Bajos en julio de 1971, seguido de su lanzamiento internacional en 1973, donde alcanzó el número 9 en los EE. UU. y el número 20 en el Reino Unido. El álbum está certificado como oro por la Recording Industry Association of America por vender 500.000 copias en los Estados Unidos.
00c Styx, 'The Grand Illusion' (1977)
The Grand Illusion es el séptimo álbum de estudio de Styx. Grabado en Paragon Recording Studios en Chicago, el álbum fue lanzado el 7 de julio de 1977. El lanzamiento fue un éxito mundial, vendiendo tres millones de copias solo en los EE. UU. (Triple Platino). Algunas estimaciones tienen el álbum en más de 6 millones de copias vendidas. El álbum lanzó a la banda al estrellato y generó los exitosos sencillos "Come Sail Away" y "Fooling Yourself". La canción principal también recibió una gran difusión en FM, pero nunca se lanzó como sencillo oficial.
Al igual que gran parte del catálogo de Styx, muchas de las canciones tienen letras y temas cuasi-medievales/de fantasía. Algunas son alegorías y comentarios sobre la vida estadounidense contemporánea y las experiencias de los miembros en una banda de rock estadounidense a mediados y finales de la década de 1970, como Castle Walls, Superstars, Miss America y la canción principal, "The Grand Illusion" que habla de la fama y la fortuna y cómo no son lo que parecen.
Tommy Shaw escribió la canción emocionalmente profunda "Man in the Wilderness" después de ver una actuación de Kansas en Detroit, que habían tocado como acto de apertura. La letra surge de sus experiencias de alcanzar la fama con Styx y de que su hermano fuera enviado a luchar en la Guerra de Vietnam, como peón de las estrategias de los políticos en Washington, D.C.
"Come Sail Away" utiliza la navegación como metáfora para alcanzar los sueños y el anhelo de zarpar. La letra toca la nostalgia de los "amigos de la infancia", el escapismo y un tema religioso simbolizado por "una reunión de ángeles" cantando "una canción de esperanza". La letra final explica una transformación de un velero en una nave estelar: "Subieron a bordo de su nave estelar y se dirigieron a los cielos", palabras que evocan versículos bíblicos de Ezequiel (1:1-28).
"Fooling Yourself (The Angry Young Man)" fue escrito por Shaw. Originalmente se basó en la percepción inicial de Shaw de DeYoung, que era un "joven enojado" que veía los éxitos del grupo con cautela y se enojaba o deprimía con cada revés. Fue solo en años posteriores que Shaw comenzó a verse a sí mismo en la letra y la canción adquirió un significado más personal para él. La pista de cierre, "The Grand Finale", combina los temas de las canciones del álbum.
1 Happy the Man, 'Happy the Man' (1977) No.50
Formado en un dormitorio de la Universidad James Madison, Happy the Man, con sede en Washington, D.C., grabó tres venerados álbumes progresivos, en su mayoría instrumentales, a fines de la década de 1970, logrando un seductor término medio entre la locura del jazz fusionado con saxo (cercano a One Size Fits All de Zappa ) y un gorjeo meditativo cargado de sintetizadores. Después de una exhibición, Clive Davis supuestamente le dijo a la banda: "Guau. Realmente no entiendo esta música. Está muy por encima de mi cabeza"; sin embargo, los firmó con Arista. Su debut es la banda en su forma más dinámica, destacada por intrincada interacción instrumental tan extravagante como los títulos de las canciones ("Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest", "Knee Bitten Nymphs in Limbo").
2 Ruins, 'Hyderomastgroningem' (1995) No.49
Transmitiendo desde los confines de la galaxia del rock progresivo, este dúo japonés de batería y bajo choca contra metros matemáticamente improbables y explosiones disonantes de ritmo con lamentos sin sentido o gruñidos demoníacos. El quinto álbum de la banda es especialmente fascinante, ya que Ruins inyecta fragmentos de melodía vocal, zumbido fatal, tempos punk y un meticuloso progreso al estilo Crimson en sus canciones que se transforman rápidamente. La influencia más obvia en el cabecilla de Ruins, Yoshida Tatsuya, es el iconoclasta Christian Vander de Magma —al igual que Vander, Yoshida incluso creó su propio lenguaje para la banda—, pero también hay rastros del freaker experimental Frank Zappa y del aterrorizador del avant-jazz John Zorn (quien lanzó el álbum en su sello Tzadik). Algunos han etiquetado a Hyderomastgroningem como imposible de escuchar y, sin duda, podría volver locos a la mayoría de los fanáticos de King Crimson o Yes. Pero tal vez eso solo hace que Ruins sea más progresivo que lo progresivo.
3 FM, 'Black Noise' (1977) No.48
Superficialmente, FM con sede en Toronto tenía muchas cosas en su contra: aparte de Rush, Canadá nunca fue un semillero progresivo, y la banda lanzó su álbum debut en 1977, cuando muchos de los creadores del género se estaban desvaneciendo. Aún así, Black Noise fue uno de los álbumes más originales de la era progresiva tardía: una mezcla hipnótica de efectos de sintetizador sinfónico y brillantes melodías New Wave, además de un torbellino exótico de mandolina eléctrica y violín de Nash the Slash, también conocido como Jeff Plewman, quien actuó en el escenario con su rostro completamente oscurecido por vendajes quirúrgicos. El abridor "Phasors on Stun" se convirtió en un éxito menor en la radio AM, impulsado por un gancho anhelante del líder, bajista y teclista Cameron Hawkins, y la banda ha lanzado varios álbumes más a lo largo de los años, pero FM nunca logró alcanzar el cosmos profundo de su mágico debut. "Hay una cualidad atemporal en ese disco", dijo Hawkins a The Music Express en 2014.
4 Crack the Sky, 'Crack the Sky' (1975) No.47
Los rockeros estadounidenses no son conocidos por sus ambiciones progresivas, y las bandas que superaron los límites generalmente se escaparon de las grietas comerciales. Caso en cuestión: los sabios de Virginia Occidental Crack the Sky, que crearon un clásico absoluto con su debut caleidoscópico. Dirigida por el cantante y cerebro John Palumbo, la banda navegó de forma experta por gruesos riffs de hard rock ("Hold On"), art pop mordaz ("Surf City"), funk fusión (el malvado colapso en "She's a Dancer") y música de larga duración en forma de balada ("Sea Epic"). Sin embargo, nunca lograron más que un seguimiento regional fiel, a pesar de una crítica entusiasta de Rolling Stone: "Al igual que los primeros álbumes de Steely Dan, 10cc y The Tubes, el debut de Crack the Sky presenta a un grupo cuya visión del aburrimiento de mediados de los 70 es original, humorística y pulida. " Estimulados por los fans que tienen, Crack the Sky se ha mantenido firme: su decimoquinto álbum de estudio, Ostrich, fue lanzado en 2012.
5 Carmen, 'Fandangos In Space' (1973) No.46
Flamenco progresivo: una idea bastante ridícula, incluso para 1973. Pero Carmen, residente en Londres, hizo que esa síntesis se sintiera revolucionaria en su LP debut, persiguiendo la visión del cantante y guitarrista de Los Ángeles David Allen (quien fue asistido por su hermana y teclista Angela Allen). Con un aullido glamoroso, el líder cantó historias de corridas de toros y gitanos, mientras la música mezclaba melotrón, ritmos de rock y juego de pies zapateado en un headfuck cósmico (producido por Tony Visconti, colaborador de David Bowie). Pero no podía durar. Después de lanzar dos álbumes más (y abrir para Santana y Jethro Tull), Carmen se retiró en 1975. Incluso cuando Fandangos in Space se ha desvanecido en la oscuridad, ha llegado a una nueva generación de músicos. "Es increíble", dijo el líder de Opeth, Mikael Akerfeldt, a Metal Hammer en 2012. "¡Es un loco disco de folk rock progresivo flamenco! ¡Habían claqué en el disco y castañuelas también! Todos a los que se lo he tocado han quedado impresionados".
6 Triumvirat, 'Illusions on a Double Dimple' (1974) No.45
Este trío alemán a menudo es calificado como un clon de Emerson, Lake y Palmer, lo cual es un despido injusto, aunque comprensible. Impulsada por el arsenal de teclados de piano de cola, órgano Hammond y sintetizador Moog de Jürgen Fritz, la banda estaba claramente versada en la ciencia de la Cirugía Brain Salad. Pero lo que les faltaba en originalidad lo compensaban con habilidades alucinantes. El segundo LP de Triumvirat, Illusions on a Double Dimple de 1974, es una obra maestra del rock progresivo, que incorpora coros operísticos y estallidos de ligereza pop en dos epopeyas continuas y sin fisuras. Suavizaron su enfoque más adelante en la década en una búsqueda de estabilidad comercial, y fracasaron miserablemente. Pero gracias a Illusions, el legado de Triumvirat entre el firmamento progresivo estaba asegurado.
7 Strawbs, 'Hero And Heroine' (1974) No.44
Dirigido por la prosa ambiciosa y el canto indómito del autor intelectual Dave Cousins, Strawbs comenzó como un grupo de bluegrass llamado Strawberry Hill Boys, trabajó brevemente con el futuro cantante de Fairport Convention, Sandy Denny, y eventualmente se convirtió en un programa progresivo a mediados de la década de 1970. Hero and Heroine es el álbum más pesado y sinfónico de la banda, anclado por el fantasmal Mellotron de John Hawken y la punzante distorsión del guitarrista Dave Lambert. Strawbs no había abandonado su lado acústico: "Midnight Sun" es una de las baladas más seguras de Cousins. Pero el músculo y la energía recién descubiertos ampliaron su atractivo: "Autumn", el tema de apertura de varias partes, es el momento más majestuoso de la banda, una epopeya melancólica para la cápsula del tiempo progresiva. Dato adicional: el equipo de producción Sid Roams probó la canción principal de la canción de 2008 del rapero Papoose "Bang Bang".
8 Electric Light Orchestra, 'Eldorado' (1974) No.43
Subtitulado A Symphony de Electric Light Orchestra, el cuarto LP de estudio de ELO fue el primero en presentar una orquesta real, en lugar de solo partes de cuerdas sobregrabadas. Un álbum conceptual sobre los sueños solitarios y románticos de un hombre desesperado por escapar de la monotonía de su vida diaria, Eldorado entreteje sus canciones en un tapiz denso y atmosférico que es esencialmente pop-prog. A pesar de algunos ganchos típicamente brillantes de Jeff Lynne, "Can't Get It Out of My Head", el primer éxito Top 10 de la banda, fue tan pegadizo como sugería su título, el álbum estaba destinado a ser disfrutado como un trabajo completo. Llamado "algo así como un triunfo" por Rolling Stone en ese momento, Eldorado fue utilizado más tarde por el cineasta experimental Kenneth Anger como la banda sonora del relanzamiento de 1978 de su película surrealista de 1954 Inauguration of the Pleasure Dome, que sin duda habla del transporte del álbum y sus cualidades cinematográficas.
9 Meshuggah, 'Destroy Erase Improve' (1995) No.42
Es uno de esos títulos de álbumes grandiosos, como The Shape of Jazz to Come de Ornette Coleman, que en realidad estuvo a la altura de su facturación. El segundo álbum definitivo del gigante sueco destruyó, borró y mejoró el arquetipo del metal progresivo cuando salió a la luz en 1995. Algunos llamaron a la mezcla del disco de polirritmias, riffs entrecortados y solos frippianos "math metal"; los niños lo llamaron "djent". Onomatopeya para su sonido de guitarra afinado e hiperdistorsionado, el término fue acuñado originalmente por Fredrik Thordendal, líder de la banda, y ha llegado a representar a una generación de jóvenes progresistas como Periphery, Animals as Leaders y TesseracT. Pero por mucho que lo intenten, nadie escribirá una canción tan abrasiva pero inteligente pero pegadiza como "Future Breed Machine"; según la propia admisión de la banda, son las tres palabras más repetidas en cualquier concierto de Meshuggah.
10 Amon Düül II, 'Yeti' (1970) No.41
Descrito por Lester Bangs en Rolling Stone como "la gran banda de sobrecarga psíquica de Alemania", Amon Düül II entregó algo serio en su extenso segundo álbum. Más pesados y peludos que la mayoría de sus contemporáneos de Krautrock, la banda combinó elementos de Velvet Underground, Jimi Hendrix, Frank Zappa, Jefferson Airplane, Pink Floyd y Quicksilver Messenger Service con influencias africanas, asiáticas e indias para crear algo profundamente personal e incluso más profundo y extraño. La mitad de Yeti fue completamente improvisada en el estudio, pero es difícil identificar qué mitad; pistas preescritas como la suite de apertura "Soap Shop Rock" y el rock abrasador "Archangel Thunderbird" parecen seguir su propia brújula interna primaria, mientras que el cierre improvisado de nueve minutos "Sandoz in the Rain" (supuestamente grabado mientras toda la banda estaba en ácido) es deslumbrante en su belleza cruda y cristalina. Yeti no es solo uno de los mejores álbumes de Krautrock; es uno de los mejores discos de toda la era psicodélica original.
11 The Soft Machine, 'Third' (1970) No.40
Para citar la letra de Robert Wyatt de "Moon in June" de Third, Soft Machine se especializó en "ruido de fondo para personas intrigantes, seductoras, repugnantes y docentes". Cósmicamente embriagadores, poco convencionales hasta el extremo y, a menudo, más audiblemente discordantes que un piano tirado encima de otro piano, los collages de cintas sin barnizar de los sabios instrumentales ingleses hacen que las canciones de Pink Floyd suenen como chicle. Con cuatro composiciones de casi 20 minutos cada una, Third abre con la amenaza del free-jazz de "Facelift", que es aún más sangrientamente furiosa que el ambiente cool de "Out-Bloody-Rageous". El teclista Mike Ratledge pasó todo el álbum haciendo típicamente nueces. Mientras Wyatt hablaba en lenguas, él y el bajista Hugh Hopper hicieron que el mencionado "June" sonara como seis canciones de Cream tocadas simultáneamente. "Trabajo en trance, realmente no sé lo que estoy haciendo hasta que lo termino", dijo Wyatt.
12 Porcupine Tree, 'Fear of a Blank Planet' (2007) No.39
Para su novena grabación de estudio, los art-rockers británicos Porcupine Tree crearon un álbum conceptual basado en la novela Lunar Park de Bret Easton Ellis, con letras que abordaban cómo el protagonista adolescente luchó contra sus trastornos bipolares y de déficit de atención con un régimen de medicamentos recetados y sobreestimulación de internet. La música utilizaba melodías vocales extensas, guitarras atmosféricas y tambores que revoloteaban a través de pasajes caóticos para hacerse eco de los estados maníaco-depresivos del personaje principal. Porcupine colorea sus canciones con repiques progresivos, rock alternativo aserrado de los 90 y potentes acordes de hard rock, con la ayuda de Robert Fripp, el guitarrista de Rush, Alex Lifeson y el tecladista ex-japonés Richard Barbieri.
13 Gong, 'You' (1974) No.38
El expatriado australiano Daevid Allen es uno de los bichos raros más grandes del prog: cofundó los pioneros del género Soft Machine, luego trianguló la fantasía inglesa psicodélica, las jams espaciales kosmische alemanas y la fusión libertina gala en el grupo franco-británico Gong. Su obra magna, serializada en tres LP conocidos como Radio Gnome Trilogy, fue una narrativa apropiadamente gnómica que involucraba duendecillos fumetas, doctores de octava, teteras voladoras y un oficial conocido como Zero the Hero. La música fue aún más salvaje, y You, el final de la trilogía, fue su pináculo. Mientras Allen intercambiaba pronunciamientos con la musa Gilli Smyth —Nico reinventado como una Glinda la bruja buena del porno suave— junto con las tormentas de viento de jazz libre de Didier Malherbe y los freakouts de John McLaughlin de Steve Hillage, el grupo creó una obra de teatro de dibujos animados sobre la pasión del hash-den tan divertida como era semiprofundo.
14 Marillion, 'Clutching at Straws' (1987) No.37
Los niños mimados del rock progresivo británico de los años ochenta, Marillion tomó el espíritu de Génesis de Peter Gabriel y lo reelaboró para una audiencia de rock estadounidense que estaba profundamente metida en el hair metal. Después del avance comercial de 1985 Misplaced Childhood, que se mantuvo en el número uno en las listas de álbumes del Reino Unido y llegó al número 47 en los EE. UU., el cuarto álbum de Marillion equilibró la melodía y el melodrama. Rodeado por la producción atmosférica y la guitarra espaciosa y relativamente sobria del guitarrista Steve Rothery (que divide la diferencia entre Steve Hackett de Genesis y The Edge de U2), Fish desarrolló una historia conmovedora, casi hablada, sobre un músico perdedor y un padre holgazán que bebe su dolor en pubs, habitaciones de hotel y lugares. "El concepto quizás estaba demasiado cerca de casa", escribió en las notas de la portada del relanzamiento del álbum en 1999. Fish pronto dejó la banda para recuperarse y seguir una carrera en solitario.
15 Harmonium, 'Si On Avait Besoin D'Une Cinquieme' (1975) No.36
Para su segundo disco, el trío de guitarras folclóricas franco-canadienses Harmonium se expandió a un quinteto sinfónico, agregando instrumentos de viento y teclados para desarrollar un álbum conceptual basado en las cuatro estaciones (y una quinta fantástica). El primer lado es todo calidez pastoral, con el canturreo dulce del guitarrista Serge Fiori y partes jazzísticos. Cosas elegantes, pero solo un calentamiento para la pieza central del lado dos, "Histoires sans paroles", que consta de 17 minutos de temas cíclicos de flauta, neblina de Mellotron y ondulantes armonías vocales (con la invitada Judi Richards). En 2007, el periodista Bob Mersereau clasificó a Si On Avait en el puesto 56 en su libro The Top 100 Canadian Albums. Pero es posible que haya vendido menos que el álbum: es el pináculo de todo el movimiento folk-prog.
16 Banco Del Mutuo Soccorso, 'Io Sono Nato Libero' (1973) No.35
El rock progresivo floreció en Gran Bretaña, pero algunas de las bandas más innovadoras del género (PFM, Le Orme, Goblin) procedían de Italia. Banco fueron los más singulares del grupo, definidos por el bramido operístico de Francesco Di Giacomo y los expresivos teclados duales de los hermanos Vittorio y Gianni Nocenzi. ¡Mientras que Darwin de 1972! mostró el lado romántico del sexteto, Io Sono Nato Libero (o Nací libre) del año siguiente perfeccionó el enfoque con una producción más limpia y arreglos refinados. Desde la serena balada "Non Mi Rompete" hasta los 15 minutos de rock sinfónico de "Canto Nomade per un Prigioniero Politico", el álbum representa el Rock Progresivo Italiano en estado puro.
17 Caravan, 'In the Land of Grey and Pink' (1971) No.34
Entre las muchas bandas memorables que surgieron de Canterbury, Inglaterra, incluidas Soft Machine, Gong y Camel, ninguna transmitió las cualidades pastorales de la ciudad catedralicia del sureste mejor que Caravan. El título y la portada del tercer álbum del cuarteto evocaban una puesta de sol en la Tierra Media, con la música oscilando entre melodías folclóricas medievales y musos expertos en jazz rockeando sobre lo que el bajista Richard Sinclair llamó "un montón de palabras que a medias significan algo". La cara uno consistía en canciones cortas y encantadoras como "Golf Girl", "Winter Wine" de Tolkien y el paseo surrealista de los Boy Scouts de la canción principal; pero el lado dos estaba dedicado exclusivamente a "Nine Feet Underground", una suite de ocho partes de 22 minutos con subtítulos al estilo de Zappa, por ejemplo, "Dance of the Seven Paper Hankies", que desplegó un descenso alegremente ranurado al infierno y de regreso dominado por solos extendidos de órgano fuzz.
18 Tool, 'Lateralus' (2001) No.33
Para el lanzamiento del tercer álbum de Tool, la banda había superado con creces las canciones de menos de tres minutos con letras directas, como el rápido éxito anticensura de 1992 "Hush". Por el contrario, la canción principal de nueve minutos y medio de Lateralus se basa, tanto en el compás como en los patrones de las letras, en la secuencia de números de Fibonacci que describe muchas de las formas en espiral de la naturaleza, desde helechos hasta piñas. A pesar de su complejidad musical, temas abstrusos y aceptación del fandom King Crimson de la banda, el álbum debutó en el número uno y lanzó a Tool a los anfiteatros y estadios de todo el mundo. "A la mayoría de las bandas se les ha enseñado que tienen que escribir estas canciones pop formuladas para tener éxito", dijo el guitarrista Adam Jones a Guitar World en ese momento. "Tan pronto como empiezas a escuchar esas reglas, estás en problemas".
19 Kansas, 'Leftoverture' (1976) No.32
Puede que Europa haya sido el epicentro del rock progresivo durante la década de 1970, pero el progresivo ciertamente también estaba prosperando en el corazón de Estados Unidos. Influenciado por Yes y Genesis, pero también con un serio fuego y swing de rock sureño, el cuarto álbum de Kansas vendió más de cinco millones de copias, en gran parte gracias a su primer tema "Carry On Wayward Son". Pero había más en Leftoverture que un elemento básico del rock clásico; pistas como "Miracles Out of Nowhere", "Cheyenne Anthem" y "Magnum Opus" de seis partes, en su mayoría instrumentales (primer movimiento: "Father Padilla Meets the Perfect Gnat"), mostraron el sonido y la visión únicos de un acto legítimo de arena-rock. En su reseña de Rolling Stone, Alan Neister escribió: "Leftoverture garantiza a Kansas un lugar junto a Boston y Styx como una de las nuevas bandas estadounidenses".
20 Renaissance, 'Ashes Are Burning' (1973) No.31
Con una deuda con los conjuntos de psych-pop Jefferson Airplane y It's a Beautiful Day, además de folk-rockers ingleses como Fairport Convention y Steeleye Span, Annie Haslam de Renaissance aportó una energía femenina al festival del rock progresivo: vea la canción principal, la firma de la banda, que termina con una nota espectacularmente sostenida que Geddy Lee no podría tocar si sus bolas estuvieran en un panini press. Formada a partir de las cenizas de los Yardbirds por Keith Relf y Jim McCarty, la banda pasó por cambios radicales de personal a lo largo de los años, todo al servicio de la combinación de música clásica, folk y rock, pero con un sentido de la canción más tradicional que la mayoría de la música progresiva de sus colegas. Este conjunto dividió la diferencia entre ganchos y expansión. Y 40 años después, Annie Haslam sigue contando historias como Guinevere.
21 U.K 'U.K.' (1978) No.30
Los discípulos progresivos vieron al Reino Unido como uno de los supergrupos más prometedores de todos los tiempos: la banda incluía a ex miembros de King Crimson, Yes, Roxy Music y Soft Machine. Pero solo se quedaron durante unos tres años, creando una mezcla intensamente melódica de fusión progresiva y jazz en su debut, logrando una complejidad orquestal sin caer en la autocomplacencia. Los teclados giratorios de Eddie Jobson y el lloroso violín eléctrico se baten juguetonamente con la altísima guitarra de Allan Holdsworth, mientras que el bajo resonante de John Wetton se une a la percusión sincopada de Bill Bruford. Después de que se lanzó el álbum, Bruford y Holdsworth se marcharon, expresando su desinterés en trabajar en un seguimiento más elaborado. "La teoría era que Estados Unidos necesita un nuevo ELP", explicó Bruford en ese momento. "La mitad del Reino Unido [así lo sentíamos], y Holdsworth y yo pensamos que Estados Unidos necesitaba a Holdsworth". Los miembros restantes nunca capturaron del todo el ritmo del debut y se separaron en 1980, aunque Wetton y Jobson se reunieron en 2012 para hacer una gira.
22 Dream Theater, 'Metropolis 2: Scenes From a Memory' (1999) No.29
Para aquellos que desearían que Rush siguiera atrapado en 2112, Dream Theater ha sido una alternativa bienvenida durante décadas, pero esta es su muestra más impresionante de intrincado proggery conceptual de metal. Inspirada en la canción de más de nueve minutos de 1992 "Metropolis Part 1: The Miracle and the Sleeper", Dream Theater alcanzó su punto culminante de gran dramatismo al ampliar la línea argumental original de la canción sobre una mujer que muere y el hombre que pudo haberla matado. Una producción no lineal de 80 minutos en dos actos, Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory se compone de nueve canciones que profundizan en el misterio del asesinato al explorar las regresiones a vidas pasadas y las experiencias paranormales de un nuevo personaje. Para complementar la desconcertante historia, la banda entreteje épicas florituras instrumentales influenciadas por los primeros Rush, Fates Warning y Queensrÿche. El guitarrista John Petrucci escribió en su sitio web: "Siempre quisimos hacer un álbum conceptual, así que pensamos, ¿por qué no?".
23 Opeth, 'Blackwater Park' (2001) No.28
Titulado en homenaje a los proggers alemanes de principios de los setenta del mismo nombre, Blackwater Park marcó la primera vez que estos virtuosos suecos del death metal dieron rienda suelta a las tendencias progresivas que habían acechado durante mucho tiempo en su música. Con Steven Wilson de Porcupine Tree produciendo y agregando teclados, Mellotron y coros a excursiones épicas de múltiples movimientos como "The Drapery Falls", "Leper Affinity" y el clímax misantrópico de 12 minutos de la canción principal, el líder de Opeth, Mikael Åkerfeldt infundió la melódica, aspectos atmosféricos de King Crimson y Pink Floyd con los complejos riffs oscuros de Opeth y su propio gruñido sepulcral. "No lo llamaría melancolía, ¡es solo oscuridad total!" Åkerfeldt le dijo a Ultimate Metal. "Todo está como velado en algún tipo de oscuridad". Wilson ayudó en otros dos álbumes igualmente brillantes, Deliverance de 2002 y Damnation de 2003, pero Blackwater Park marcó el ascenso de Opeth al nivel más alto del metal.
24 Supertramp, 'Crime of the Century' (1974) No.27
Después de dos fracasos, la banda financiada por un millonario holandés redujo sus ambiciones progresivas de un álbum de canciones más pop. Vendió más de 20 millones de copias, entregó los éxitos "Bloody Well Might" y "Dreamer", mientras rompía Supertramp en los Estados Unidos. Como Pink Floyd sin la arrogancia de Roger Waters, Crime se centró en la angustia adolescente ("Hide in Your Shell"), la alienación adulta ("Rudy") y la locura ("Asylum"). Desafortunadamente para los dos compositores de Supertramp, el emocionalmente expuesto Roger Hodgson y el más rockero Rick Davies, Crime fue la última vez que la pareja estuvo en la misma página. Por lo tanto, según Hodgson, el álbum representa "el pináculo de la banda estando juntos como una entidad unificada".
25 Van Der Graaf Generator, 'Pawn Hearts' (1971) No.26
El tercer álbum de Van Der Graaf Generator se ganó a los fanáticos progresivos al presentar al guitarrista de King Crimson, Robert Fripp. Pero Pawn Hearts resultó ser un viaje confuso y embriagador incluso para los oyentes más atentos. En "Man-Eng", el cantante/máquina de ideas Peter Hammill mostró sus habilidades operísticas sobre teclados procesionales y tambores de montaña rusa, y luego aulló: "¡Cómo puedo ser libre!" durante una sección central en estampida que se convierte en seis minutos de saxofón y abstracción de teclado. Y "A Plague of Lighthouse Keepers (Medley)" de 23 minutos hace que King Crimson suene como los Ramones, con sus interludios boquiabiertos y espaciales, solos improvisados, cambios discordantes y letras como "Cuando veas los esqueletos de un velero los mástiles se hunden bajo / Comenzarás a preguntarte si los puntos de todos los mitos antiguos están solemnemente dirigidos directamente a ti ". Estos muchachos trataron de canalizar todos los mitos a la vez, creando música que era pura identificación progresiva, sin ninguna cohesión o concisión para desjarretar la majestuosidad.
26 The Mars Volta, 'De-Loused in the Comatorium' (2003) No.25
"Nuestra música exige... al menos una hora de tu vida, y con completo silencio y con total devoción", proclamó una vez el vocalista de Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala. Incluso una hora semi-monástica (y 51 segundos) de escucha revela un universo satisfactoriamente retorcido dentro de la primera suite de larga duración de estos bichos raros de Texas, De-Loused in the Comatorium. Emergiendo de las cenizas vitriólicas de Bixler-Zavala y el proyecto art-punk At the Drive-In del virtuoso guitarrista Omar Rodríguez-López, el grupo alinea maniáticamente el metal triunfante, el rock psicodélico y el jazz latino. La letra a menudo grotesca, sobre un hombre que toma una sobredosis de morfina y veneno para ratas y entra en coma, se rompe repetidamente y se vuelve a unir con un estilo desesperado de Rodríguez-López. Producido con Rick Rubin, De-Loused también contó con ruidos de gama baja del bajista suplente Flea y pirotecnia de batería del actual stickman de Queens of the Stone Age, Jon Theodore. Los 12 minutos y medio de "Cicatriz E.S.P." — completo con un interludio de helicóptero — muestra que los latidos del corazón de 21st Century Prog son tan irregulares como siempre.
27 Magma, 'Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh' (1973) No.24
Con Magma, el baterista y compositor francés Christian Vander creó literalmente un nuevo lenguaje musical, "Kobaïan", llamado así por un planeta que también inventó, fusionando ópera maníaca, free jazz influenciado por Coltrane, avant-rock estruendoso y temas líricos extraterrestres en un género autodenominado conocido como "zeuhl". Vander perfeccionó su marca particular de locura en el tercer LP de Magma, un aluvión de chillidos corales y compases complicados que ocupó el puesto 33 en la lista de los 100 mejores álbumes de rock francés de Rolling Stone Francia. Las exploraciones expansivas de Mekanik son básicamente "progresivas" en su estado más puro, empujando las estructuras rocosas convencionales hacia territorios nuevos y extraños. Pero Vander rechaza cualquier tal definición. "La música 'Zeuhl' significa 'música vibratoria'", dijo a The Big Takeover este año. "Definitivamente no es un subconjunto de prog, y Magma no es un grupo prog. Magma es una institución".
28 Tangerine Dream, 'Phaedra' (1974) No.23
Los experimentalistas alemanes Tangerine Dream gravitaron hacia un enfoque más estructurado de la composición en esta primera obra maestra de la música electrónica progresiva; fue una táctica requerida por la reciente adquisición por parte del grupo de un secuenciador Moog, que tomó varias horas al día solo para sintonizar correctamente. Aunque Phaedra se grabó en circunstancias extremadamente difíciles ("Técnicamente, todo lo que podía salir mal, salió mal", recordó más tarde el fundador de TD, Edgar Froese), los resultados fueron sorprendentes, especialmente el corte del título de headtrip de 17 minutos, que superpuso un pistas de sintetizador Moog grabado accidentalmente con flauta, Mellotron, secuenciador de bajo y ruido blanco: los osciladores del Moog crearon una sensación adicional de deriva interestelar, que perdió su afinación a medida que la máquina se calentaba. Desafiante, de otro mundo y casi indescriptiblemente hermoso, Phaedra ejerció una gran influencia en los artistas ambientales y electrónicos durante décadas después de su lanzamiento.
29 Rush, '2112' (1976) No.22
Pocas cosas son más arquetípicamente "progresivas" que el corte lateral del título del cuarto álbum de Rush. Una suite de 20 minutos y siete partes, "2112" tiene lugar en una distopía orwelliana donde el rock está prohibido, lo cual es irónico, por supuesto, considerando lo fuerte que suena la pista. La segunda cara del álbum se divide en cinco canciones distintas (destacadas por el diario de viaje "¡Amigo, fumamos droga!" de "A Passage to Bangkok"); pero el poder perdurable del primer lado es tal que el álbum aún habría sido multiplatino si no hubiera seguido nada más que llamadas de apareamiento de narvales. Grabado en un momento crítico en la carrera de Rush (¡su álbum anterior se había estancado en el número 60 en las listas canadienses!), 2112 fue el primer lanzamiento clásico del power trio de Toronto; también fue una afirmación rotunda de su potencial comercial, a pesar de los ritmos laberínticos del baterista Neil Peart y la voz distintiva de Geddy Lee.
30 Camel, 'Mirage' (1974) No.21
La alineación clásica de Camel ocupó un nicho único en el rock progresivo, especializándose en entrenamientos de conjuntos fluidos y espaciales, rara vez tan llamativos como Génesis, nunca tan grandilocuentes como Emerson Lake y Palmer. "Somos considerados una banda progresiva, por defecto, en realidad", dijo el guitarrista y flautista Andy Latimer a Will Romano para su libro de 2010 Mountains Come Out of the Sky: The Illustrated History of Prog Rock. "Siempre pensé que gente como Yes, King Crimson y ELP eran mucho más oscuros que Camel. Probablemente eran mejores jugadores y, en consecuencia, se metían en material mucho más complicado, lo que lo hacía incluso... menos accesible". El segundo álbum del cuarteto, Mirage, cumple la promesa dispersa de su debut, con Latimer y el teclista Pete Bardens dirigiendo la sección rítmica a través de instrumentos alegres (el contemplativo "Supertwister") y amplias suites de varias partes (el tema de El Señor de los Anillos "Nimrodel/ La Procesión/El Jinete Blanco").
31 King Crimson, 'Larks' Tongues in Aspic' (1973) No.20
Con su tercera formación en cuatro años, el maestro de guitarra de King Crimson, Robert Fripp, finalmente recurrió a una energía musical tan poderosa e innovadora como la de su debut de 1969, In the Court of the Crimson King. El quinto álbum del grupo fue una mezcla magistral de composición minuciosa y experimentación salvaje, como si Fripp estuviera representando a un loco golpeado por destellos de claridad melancólica. Al final, es difícil decir qué pasajes fueron felices accidentes y cuáles fueron cuidadosamente construidos; y es aún más difícil determinar cuáles son más impactantes, ya que las bandejas repiquetean, las campanas repican, los pájaros cantan, las voces discretas y las risas de payasos se entrelazan con guitarras metálicas llenas de estática, ritmos epilépticos y líneas de violín que van desde hermosas hasta desgarradoras.
32 PFM, 'Per un amigo' (1972) No.19
Con su segundo álbum definitivo, Premiata Forneria Marconi llevó al progresivo italiano al centro de atención internacional. Al igual que sus compatriotas Banco, la banda se acercó al popular estilo sinfónico británico con un toque romántico, la flauta y el violín de Mauro Pagani agregaron un elemento etéreo a la canción principal y la cambiante "Appena Un Po". Descubierto por Emerson, Lake y Palmer durante una gira italiana, PFM firmó con Manticore Records de ELP, que lanzó Photos of Ghosts de 1973, una versión de Amico que fue remezclada y modificada con nuevas letras en inglés por Peter Sinfield de King Crimson. (El álbum incluso rompió la lista de álbumes de Billboard en el número 180). "PFM nunca tocó un estilo de música rock que pretendiera ser anglosajón", dijo el baterista y vocalista Franz Di Cioccio en las notas de la reedición de Photos of Ghosts. "Siempre defendimos nuestro propio estilo de música y nuestras propias raíces".
33 Frank Zappa and the Mothers of Invention, 'One Size Fits All' (1975) No.18
Antes de que Frank Zappa lanzara One Size Fits All, alardeó ante los reporteros: "Podrías bailar con este disco". Considere la fuente. Aunque el álbum ciertamente rockea (ocasionalmente), también rebosa de los puntos de referencia del jazz y progresivo de la carrera de Zappa: cambios de tiempo ridículos, teclados chirriantes (de George Duke), instrumentación de rock atípica (guitarra sin trastes, marimba, flauta, vibráfono) y más aún letras como, "'Arf, She Said". Jams salvajes como "Po-Jama People" y el reluciente y tartamudo "Andy" son el pináculo del experimentalismo art-rock de Zappa, mientras que el herky-jerky "Inca Roads" contiene uno de los solos de guitarra más asombrosos de los Mother. Steve Vai, el futuro "guitarrista de acrobacias" de Zappa, dijo que escuchar One Size Fits All fue un punto de inflexión en su vida, y se refirió a "Inca Roads" como una "obra maestra sin precedentes" en 2011, "Me dio una nueva razón para vivir", dijo.
34 Mike Oldfield, 'Tubular Bells' (1973) No.17
La secuencia de apertura de Tubular Bells es más conocida como el tema premonitorio de The Exorcist, pero muchos de los momentos más extraños de este álbum vienen mucho después. Grabado por el prodigio inglés de 19 años Mike Oldfield, dos secciones de más de 20 minutos representan variaciones de casi todos los temas que podrían formarse en la cabeza de un joven viajero de LSD. "No tendríamos todas esas canciones hermosas como 'Lucy in the Sky With Diamonds', y probablemente no tendríamos Tubular Bells, muchas cosas, en realidad, sin drogas", dijo Oldfield más tarde a The Guardian. La primera mitad emplea paisajes sonoros ambientales, riffs de guitarra y una sección en la que el "maestro de ceremonias" Vivian Stanshall presenta de manera pretenciosa una variedad de instrumentos: "¡glockenspiel!" y "dos guitarras ligeramente... distorsionadas", al estilo de Bonzo Dog Band. En la segunda parte, Oldfield pierde totalmente la cabeza, mientras gruñidos y aullidos de borracho y flema sobre un rock sinfónico optimista conduce a "The Sailor's Hornpipe", más conocida como la canción marinera que se usa popularmente en los dibujos animados de Popeye.
35 Gentle Giant, 'Octopus' (1972) No.16
Armonías barrocas de contrapunto, pasajes de flauta medieval, ritmos funk, ganchos de rock duro: los experimentalistas británicos Gentle Giant dominaron esta extraña fórmula en su cuarto álbum, Octopus, que marcó el final de una era para la banda y el comienzo de otra. Fue el canto del cisne para el multiinstrumentista Phil Shulman y el debut del baterista John Weathers, el percusionista más genial de todo el progresivo, y Giant no deja piedra musical extraña sin remover (mira las complejas partes vocales de madrigal de "Knots"). Aún así, sus experimentos de científicos locos se equilibraron con la majestuosidad del rock crudo de clásicos como "The Advent of Panurge". "Creo que este álbum fue la culminación de hacia dónde y hacia dónde se dirigía la banda en el resto de la década", dijo el líder Derek Shulman en las notas de la reedición del LP.
36 King Crimson, 'Red' (1974) No.15
Como la mayoría de sus compañeros rockeros progresivos, King Crimson comenzó como un grupo de honderos de fantasía pastorales ingleses, aunque más esquizoides que la mayoría. Para Red, con los años sesenta poco más que una mala resaca, el gurú de la guitarra Robert Fripp había destilado su enfoque hasta un trío que tocaba la música progresiva más desgarradora que jamás había escuchado. El sonido de sus abstracciones de guitarra dentada atravesando las junglas de ritmos de Bill Bruford y la teoría de graves de John Wetton definieron la idea de un power trio, y no es difícil imaginar, según la leyenda, que Kurt Cobain cavó en este disco y tomó notas. Finalmente, la intensidad implosionó; Fripp disolvió la banda poco después, siguiendo un camino espiritual, antes de reformarla con Bruford años después. Pero nunca fue tan poderoso como esto.
37 Genesis, 'Foxtrot' (1972) No.14
Podría decirse que es el primer gran álbum de Genesis, Foxtrot tomó la cosmovisión excéntrica y la grandiosidad sinfónica de Nursery Cryme de 1971 y subió la apuesta con una composición de canciones más consistente y un ataque musical más duro. También agregó dos clásicos del rock progresivo al canon de Génesis: la fantasía de ovnis a través de Mellotron "Watcher of the Skies", que le dio al álbum un abridor vigorosamente poderoso, y el cierre de 23 minutos "Supper's Ready", que se convertiría en un punto culminante de los sets en vivo de Genesis en los años venideros. En parte inspirada en algunos eventos sobrenaturales inquietantes experimentados por el líder Peter Gabriel, la impresionante suite de siete movimientos ofreció fuertes dosis de imágenes bíblicas y mitológicas griegas, algunas de las interpretaciones más aventureras de la banda y el uso de varias firmas de tiempo inusuales, como la rugiente sección que se explica por sí misma "Apocalipsis en 9/8".
38 Pink Floyd, 'Animals' (1977) No.13
Basado libremente en el libro Animal Farm de George Orwell, el tercer álbum conceptual consecutivo de Roger Waters reemplazó la crítica de Orwell al estalinismo con una acusación mordaz de la opresión capitalista en la Inglaterra contemporánea. La banda ridiculizada por punks como los Sex Pistols como personificación del rock "dinosaurio" reformó la música de protesta, espesa y rica aquí, con algunos de los blues más gloriosos de David Gilmour sonando en medio de sombríos panoramas de sonido procesado. Compuesto por tres pistas largas respaldadas por la suave acústica "Pigs on a Wing", Animals fue el primer álbum que Pink Floyd grabó en su propio estudio.
39 Emerson, Lake and Palmer, 'Brain Salad Surgery' (1973) No.12
Para el exceso de rock progresivo, este poderoso trío se llevó el pastel y la fuente: la sala de exhibición de teclados de Keith Emerson; la gigantesca batería giratoria motorizada de Carl Palmer; conciertos en estadios deportivos con orquesta y coro completos, etc. Pero aquí, equilibraron magistralmente la grandilocuencia y la brillantez. Brain Salad Surgery se abre en un estilo visionario poético inglés con un arreglo vertiginoso de "Jerusalem" de William Blake. Luego se mueve a través del funky folk-rock barroco ("Still... You Turn Me On"), el virtuoso riff de Emerson en un concierto para piano del compositor argentino del siglo XX Alberto Ginastera ("Toccata") y la casi media hora de duración, la fantasía distópica de varias partes "Karn Evil 9", en la que entretenimientos embriagadores (un espectáculo secundario en el que una "reina gitana/en un glaseado de vaselina/actuará en una guillotina") nos distraen de la malvada inteligencia informática y las Interwebs modernas de la era de la vigilancia. Presciente y bastante jodidamente rockero.
40 Rush, 'Hemispheres' (1978) No.11
Rush se alejó de las piezas conceptuales de varias partes en los años ochenta, pero el trío desató dos grandes más antes de que terminaran los setenta. "Cygnus X-1 Book II: Hemispheres" (la secuela, por supuesto, de "Cygnus X-1 Book I: The Voyage", que puso fin a A Farewell to Kings de 1977) abrió Hemispheres con 18 minutos de alegoría mitológica al aire. -cambios dignos de batería, mientras que "La Villa Strangiato" concluyó el disco con un instrumental complejo de nueve minutos basado en un sueño surrealista experimentado por el guitarrista Alex Lifeson. Entre medias estaban "Circumstances" y "The Trees", las cuales señalaron el camino hacia las ráfagas de acordes potentes más cortas y nítidas, pero aún así filosóficas, que la banda entregaría en la próxima década. "Todo lo que pasó en la creación de ese disco llegó de una manera difícil", dijo Geddy Lee años después. "El material era ambicioso".
41 Yes, 'Fragile' (1971) No.10
La radio pop nunca había escuchado nada como "Roundabout", el sencillo sorprendentemente improbable de Yes. Construido sobre el caleidoscopio de guitarras acústicas y eléctricas clásicas de Steve Howe, los órganos Jan-Hammer-in-an-Anglican-church de Rick Wakeman y la percusión polivalente salvaje de Bill Bruford (especialmente la sección media galopante y loca), alcanzó el número 13 en el Billboard en las listas de éxitos y, junto con el álbum, se convirtió en un elemento básico del rock clásico, dando forma a generaciones de rockeros ambiciosos. "Cuando tenía 7 años encontré Fragile en la colección de discos de mi papá", dijo el guitarrista de Red Hot Chili Peppers, John Frusciante, quien consideraba a Howe su guitarrista favorito. "Ponía el disco y veía cómo la sala de estar se convertía en un lugar acogedor y parecido a un útero. Su música era tan mágica que parecía casi irreal".
42 Genesis, 'The Lamb Lies Down on Broadway' (1974) No.9
Uno de los álbumes conceptuales más elaborados, seductores y extrañamente gratificantes del rock, este clásico de vinilo doble está protagonizado por el siempre teatral Peter Gabriel como Rael, un punk callejero puertorriqueño que desciende al subsuelo de Nueva York para experimentar una serie de aventuras surrealistas. ("Parecía que andar cabriolas en el país de las hadas se estaba volviendo obsoleto rápidamente", explicó Gabriel a su biógrafo). Sin embargo, el bajista Mike Rutherford quería basar el último álbum de la banda con Gabriel, quien había anunciado su intención de dejar Genesis, en El Principito de Saint Exupéry. Las sesiones de grabación fueron estresantes, particularmente para Gabriel, quien solitariamente agregó sus letras a la música de la banda y viajó largas horas desde el estudio para pasar tiempo con su hija prematura recién nacida. The Lamb, en última instancia, vira entre la improvisación salvaje y el control estricto, mientras que temas destacados como "Carpet Crawlers" y "The Colony of Slippermen" dan testimonio de la combinación única de arte y poder de la banda.
43 Can, 'Future Days' (1973) No.8
"Future Days es para mí el mejor álbum que hice con Can", dijo el vocalista Damo Suzuki. "Porque fue muy fácil dejar Can después de ese álbum. No quería nada de ellos después de eso. Musicalmente, estaba muy satisfecho". De hecho, las cuatro pistas del quinto álbum de estudio de los rockeros experimentales alemanes sintetizan todo lo que hicieron extrañamente bien. Can podría despojarse durante tres minutos de pop psicodélico ensartado ("Moonshake") o dividir la diferencia entre Bitches Brew de Miles Davis y Hot Buttered Soul de Isaac Hayes ("Spray"), o encontrar nuevos cráteres en la luna para "Bel Air". una sala de estar que mareaba toda la segunda cara del disco. Todo ello es Can, y nada de ello es un lugar común.
44 Jethro Tull, 'Thick as a Brick' (1972) No.7
Molesto porque muchos críticos confundieron Aqualung de 1971 como un álbum conceptual, el líder de Tull, Ian Anderson, decidió continuar parodiando todo el concepto del álbum conceptual. Consistente en una canción de casi 44 minutos extendida a través de una vertiginosa variedad de movimientos, Thick as a Brick vino envuelto en una funda de periódico al estilo Monty Python que atribuía la letra de la canción a un colegial ficticio e incluso "revisaba" el álbum dentro. Fue una broma brillante, una ejecución tan perfecta, de hecho, que la mayoría de la gente no entendió la broma. No es que lo necesitaran para disfrutarlo. Como señaló Rolling Stone en ese momento, "Ya sea que Thick as a Brick sea o no un experimento aislado, es bueno saber que alguien en el rock tiene ambiciones más allá de la pista convencional de cuatro o cinco minutos, y tiene la inteligencia para llevar a cabo su intenciones, en toda su complejidad, con considerable gracia".
45 Genesis, 'Selling England by the Pound' (1973) No.6
Los sueños de Merrie Olde England se convierten en pesadillas consumistas en el tercer álbum de Genesis, y el último como una unidad creativa cohesiva. "¿Puedes decirme dónde está mi país?" canta Peter Gabriel en "Dancing With the Moonlit Knight", la primera de varias canciones que ridiculizan y parodian el estereotipo de la nación isleña. Para el guitarrista Steve Hackett, quien hace viajes fantásticos con la luz, Selling refleja "la sensación de que la vieja Inglaterra está siendo tomada; la tienda de la esquina dando paso a la [corporación] multinacional". Selling también contiene "Firth of Fifth", la composición bastante larga que muchos consideran el mejor momento de la banda, así como "More Fool Me", su primer vehículo vocal de Phil Collins y una muestra de cosas más pop por venir. Gabriel llevó la caricatura artúrica a veces al estilo Monty Python del disco a la gira siguiente, apareciendo en el escenario disfrazado como el caballero Britannia.
46 Yes, 'Close To The Edge' (1972) No.5
"En mi opinión, Yes puede ser el sencillo más importante de todas las bandas de rock progresivo", dijo Geddy Lee de Rush, quien llama a Close to the Edge "uno de mis álbumes de rock favoritos de todos los tiempos". Y si, como Stephen Malkmus de Pavement, te preguntas cómo la voz de Lee llegó a ser tan alta, no busques más allá de la voz rompe nubes de Jon Anderson aquí. La mayor declaración progresiva de Yes es un par complejo de suites de varias partes, además de la obra maestra deslumbrante e ininteligible "Siberian Khatru". Un viaje de auriculares con letras crípticas que los tableros de mensajes han dedicado innumerables píxeles para analizar (¿"Khatru" es siquiera una palabra?), Fue lanzado solo ocho meses después de Fragile. Pero la asombrosa racha fue demasiado buena para durar: el genial baterista Bill Bruford desertó después de la agotadora grabación, se unió a sus compañeros King Crimson y llevó sus ritmos al siguiente nivel del gonzo-jazzbo. Pero esta podría ser su máxima obra maestra.
47 Pink Floyd, 'Wish You Were Here' (1975) No.4
La alienación rara vez ha sonado tan majestuosa como en esta continuación sentimentalmente psicodélica del hito Dark Side of the Moon. Inspirado por la desaparición del fundador de Floyd, Syd Barrett, en un agujero negro psíquico, Wish You Were Here intercaló una oda extendida de nueve partes a su compañero de banda ("Shine on You Crazy Diamond") alrededor de un par de canciones que critican a la industria de la música ("Welcome to the Machine", "Have a Cigar") y la inquietante canción principal, también sobre Barrett. Para Roger Waters, quien escribió el álbum, Barrett era un "símbolo de todos los extremos de ausencia a los que algunas personas tienen que entregarse porque es la única forma en que pueden hacer frente a lo jodidamente triste que es la vida moderna". Grabado en medio de enfrentamientos sobre el proceso y el contenido (los miembros de la banda rara vez pasaban tiempo juntos en el estudio), Wish fue titulado por el artista de portada Storm Thorgerson, quien diseñó su sorprendente serie de fotografías surrealistas, incluida la icónica foto de portada de un hombre de negocios literalmente quemando a otro.
48 Rush, 'Moving Pictures' (1981) No.3
"Tendrías que ser un tonto para ignorar las críticas constructivas", dijo el baterista y letrista Neil Peart a Rolling Stone tras el lanzamiento de este álbum, que incluía las pistas más cortas de Rush hasta la fecha. Coincidentemente o no, el proyecto conceptualmente reducido del power trio canadiense se convertiría en el más popular y comercialmente exitoso. Su capacidad para establecer un sonido Rush "en seis minutos, en lugar de 20 minutos", como dijo Geddy Lee, condujo a headbangers tan elegantemente accesibles como el arrogante "Tom Sawyer" y el instrumental rítmico en código Morse "YYZ". Y mientras que "Camera Eye", influenciada por John Dos Passos, duró 11 minutos, gemas más cortas como "Red Barchetta", la introspectiva "Limelight" y "Vital Signs", con sabor a reggae, fueron el equivalente progresivo de melodías de punk-rock.
49 King Crimson, 'In the Court of the Crimson King' (1969) No.2
Uno de los álbumes de rock progresivo más influyentes de todos los tiempos, el debut de King Crimson evitó la bravuconería bluesera del rock británico de finales de los sesenta por una mezcla de jazz e influencias clásicas empapada de Mellotron, arrastrando la psicodelia a un oscuro lugar de lo que había sido antes. "King Crimson probablemente será condenado por algunos por su pomposidad", escribió John Morthland de Rolling Stone en ese momento, "pero esa crítica no es realmente válida. Han combinado aspectos de muchas formas musicales para crear una obra surrealista de fuerza y originalidad. " Con el guitarrista Robert Fripp y el multi-instrumentista Ian McDonald acumulando capas de sonido majestuoso, y el bajista Greg Lake entonando letras evocadoras y aprensivas, pistas como la implacable apertura "21st Century Schizoid Man", la inquietante "Epitaph" y la majestuosa cierre "The Court of the Crimson King" estableció el tono y la plantilla para la próxima revolución progresiva.
50 Pink Floyd, 'The Dark Side of the Moon' (1973) No.1
Fácilmente la cima del éxito comercial del rock progresivo, y a menudo citado como superado solo por Thriller de Michael Jackson en ventas totales de álbumes a nivel mundial, el álbum conceptual delgado de Pink Floyd ha sido la banda sonora de innumerables espectáculos de luces de planetario y muchos desempaques críticos. Desde su sincronización con El mago de Oz (presione reproducir después del tercer rugido del león) hasta el proyecto de versiones pista por pista de Flaming Lips y sus amigos, pasando por el lado oscuro perdido del Moonpie de Krusty el Payaso y la interminable venta ambulante del prisma. -y-arcoíris, el álbum se ha mantenido como una piedra de toque de la cultura pop desde su lanzamiento. Sónicamente, cubre rock clásico ("Money"), soul ("The Great Gig in the Sky"), glam symphonia ("Brain Damage"), campanas de reloj ("Time") y sintetizadores analógicos (prácticamente todo). . Líricamente, Roger Waters era universal pero personal, quitando la piel fina como el papel de la condición humana. A pesar de todas sus innovaciones de estudio dirigidas por Alan Parsons, la accesibilidad subyacente de Dark Side es su mayor fortaleza. Después de todo, son solo hombres ordinarios.
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